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- Herausgeber: epubli
- Kategorie: Geisteswissenschaft
- Sprache: Deutsch
Sie hegen den Wunsch, Ihre kreativen Visionen in tragbare Mode zu verwandeln und als Modedesigner erfolgreich zu sein? "Modedesign Basics: Vom Konzept zur Kollektion" ist Ihr praxisorientierter Leitfaden, der Sie strukturiert durch den gesamten Schaffensprozess führt – von der ersten Inspiration bis zur professionellen Präsentation Ihrer fertigen Entwürfe. Dieser Leitfaden beginnt bei den unverzichtbaren Grundlagen. Sie lernen, Inspiration aus vielfältigen Quellen wie der Modegeschichte, der Architektur oder soziokulturellen Strömungen zu schöpfen und die Prinzipien erfolgreicher Modedesigner zu analysieren. Darauf aufbauend werden Sie schrittweise durch den kreativen Entwurfsprozess geleitet. Sie erfahren, wie Sie aus einer losen Idee ein tragfähiges Konzept entwickeln, aussagekräftige Moodboards erstellen und Ihre Zielgruppe präzise definieren. Ein besonderer Fokus liegt auf der Kunst der Modeillustration, von der korrekten figürlichen Darstellung über die Visualisierung verschiedener Stofflichkeiten bis hin zur Anwendung digitaler Techniken. So schärfen Sie Ihre persönliche Formensprache und lernen, eine kohärente Kollektion zu strukturieren. Für dieses Buch haben wir moderne Technologien genutzt – darunter Künstliche Intelligenz und individuell entwickelte Softwarelösungen. Sie kamen in vielen Phasen des Entstehungsprozesses zum Einsatz: von der Ideenfindung und Recherche über das Schreiben und Lektorat bis hin zur Qualitätssicherung und der Gestaltung der dekorativen Illustrationen. Unser Ziel ist es, Ihnen damit eine Leseerfahrung zu bieten, die besonders stimmig und zeitgemäß ist.
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Seitenzahl: 190
Veröffentlichungsjahr: 2025
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Impressum
Saage Media GmbH SpinLab Spinnereistraße 7 - 04179 Leipzig, Germany E-Mail: [email protected] Handelsregister: Amtsgericht Leipzig, HRB 42755 (Commercial Register: Local-Court Leipzig, HRB 42755) Geschäftsführer: Rico Saage (Managing Director) USt-IdNr.: DE369527893 (VAT ID Number)SaageBooks.com/de/imprint
Publisher: Saage Media GmbH
Veröffentlichung: 07.2025
Umschlagsgestaltung: Saage Media GmbH
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Die Geodaten von OpenStreetMap stehen unter der Open Database License (ODbL) zur Verfügung. Wir danken den Mitwirkenden beider Projekte für die Bereitstellung dieser hervorragenden Ressourcen.Inhaltsverzeichnis
○EinleitungEos A.I. Saage
14 Quellen 35 Diagramme 105 Bilder 12 Zitate 4 Karten
© 2025 Saage Media GmbH
Alle Rechte vorbehalten
von Herzen danken wir Ihnen, dass Sie sich für dieses Buch entschieden haben. Mit Ihrer Wahl haben Sie uns nicht nur Ihr Vertrauen geschenkt, sondern auch einen Teil Ihrer wertvollen Zeit. Das wissen wir sehr zu schätzen.
Haben Sie eine Vision für Ihre eigene Mode, wissen aber nicht, wo Sie anfangen sollen? Viele kreative Talente stehen vor der Herausforderung, eine brillante Idee in ein tragbares Kleidungsstück und eine stimmige Kollektion zu verwandeln. Der Weg von der ersten Skizze über die Schnittkonstruktion bis hin zum fertigen Lookbook ist komplex und erfordert fundiertes Wissen. Dieses Buch begleitet Sie praxisnah durch alle Phasen des Designprozesses. Sie lernen, wie Sie Inspirationsquellen systematisch nutzen, aussagekräftige Modeillustrationen erstellen und Ihre Entwürfe durchdacht in Stoff und Form umsetzen. Dadurch gewinnen Sie die Sicherheit, Ihre kreativen Konzepte strukturiert und professionell zu realisieren. Es vermittelt Ihnen die notwendigen Werkzeuge, um Ihre Design-Identität zu schärfen und Ihre Kollektion überzeugend zu präsentieren. Starten Sie jetzt und legen Sie mit diesem Leitfaden das Fundament für Ihre erste eigene Kollektion.
Dieser Ratgeber bietet Ihnen verständlich aufbereitete und praxisnahe Informationen zu einem komplexen Thema. Dank selbst entwickelter digitaler Tools, die auch neuronale Netze nutzen, konnten wir umfangreiche Recherchen durchführen. Die Inhalte wurden optimal strukturiert und bis zur finalen Fassung ausgestaltet, um Ihnen einen fundierten und leicht zugänglichen Überblick zu ermöglichen. Das Ergebnis: Sie erhalten einen umfassenden Einblick und profitieren von klaren Erklärungen und anschaulichen Beispielen. Auch die visuelle Gestaltung wurde durch diese fortschrittliche Methode optimiert, damit Sie die Informationen schnell erfassen und nutzen können.
Wir bemühen uns um höchste Genauigkeit, sind aber für jeden Hinweis auf mögliche Fehler dankbar. Besuchen Sie unsere Website, um die aktuellsten Korrekturen und Ergänzungen zu diesem Buch zu finden. Diese werden auch in zukünftigen Auflagen berücksichtigt.
Wir hoffen, Sie haben viel Freude beim Lesen und entdecken Neues! Sollten Sie Anregungen, Kritik oder Fragen haben, freuen wir uns über Ihre Rückmeldung. Nur durch den aktiven Austausch mit Ihnen, den Lesern, können zukünftige Auflagen und Werke noch besser werden. Bleiben Sie neugierig!
Eos A.I. Saage Saage Media GmbH - Team www.SaageBooks.com/de/contact/[email protected]ße 7, 04179 Leipzig, GermanySchnell zum Wissen
Für ein optimales Leseerlebnis möchten wir Sie mit den wichtigsten Merkmalen dieses Buches vertraut machen:Modularer Aufbau: Jedes Kapitel ist in sich abgeschlossen und kann unabhängig von den anderen gelesen werden.Fundierte Recherche: Alle Kapitel basieren auf gründlicher Recherche und sind mit wissenschaftlichen Quellenangaben belegt. Die in den Diagrammen dargestellten Daten dienen der besseren Visualisierung und beruhen auf Annahmen, nicht auf den in den Quellen angegebenen Daten. Eine umfassende Liste der Quellen und Bildnachweise befindet sich im Anhang.Verständliche Terminologie: Unterstrichene Fachbegriffe werden im Glossar erläutert.Kapitelzusammenfassungen: Am Ende jedes Kapitels finden Sie prägnante Zusammenfassungen, die Ihnen einen Überblick über die wichtigsten Punkte geben.Konkrete Handlungsempfehlungen: Jedes Subkapitel schließt mit einer Liste konkreter Ratschläge ab, die Ihnen helfen sollen, das Gelernte in die Praxis umzusetzen.1. Grundlagen und Inspiration im Modedesign
Woher schöpft ein Modedesigner seine tiefsten Impulse? Liegt die Quelle in den überlieferten Formen vergangener Epochen oder im Einfluss prägender Gestalterpersönlichkeiten? Oder entspringt wahre Kreativität der aufmerksamen Beobachtung jenseits bekannter Konventionen? Dieses Kapitel beleuchtet die vielschichtigen Fundamente, die jede herausragende Kollektion tragen. Tauchen Sie ein in die universellen Quellen, die Design erst lebendig machen.
Der Harajuku-Bezirk ist weltberühmt für seinen einzigartigen, experimentellen und sich ständig weiterentwickelnden Streetstyle. Seine kühnen Subkulturen waren eine ständige Inspirationsquelle für globale Designer und haben die Grenzen der Mode seit Jahrzehnten verschoben.
Als Heimat der einflussreichen 'Antwerp Six' wurde diese Stadt in den 1980er Jahren zu einem Zentrum für avantgardistische und dekonstruierte Mode. Ihre Königliche Akademie der Schönen Künste bringt weiterhin Designer hervor, die konventionelle Ästhetik herausfordern.
Bekannt als die 'Rosa Stadt', ist Jaipur ein Zentrum historischer Textiltraditionen. Es ist bekannt für seine Meisterschaft im Blockdruck, aufwendiger Stickerei und lebendiger Bandhani-Bindefärbung, was Designern weltweit eine reiche Palette an Farben und Mustern bietet.
Marrakesch, seit langem eine Muse für Designer wie Yves Saint Laurent, inspiriert mit seinen satten Farben, belebten Souks, traditionellen Kaftanen und den atemberaubenden architektonischen Details seiner Riads und des Jardin Majorelle.
Als Kraftzentrum der zeitgenössischen afrikanischen Mode ist Lagos bekannt für seinen lebendigen Streetstyle und die innovative Verwendung traditioneller Textilien wie Ankara und Adire in modernen, hochmodischen Silhouetten, die während der Lagos Fashion Week global präsentiert werden.
1. 1 Einflüsse aus der Modegeschichte
Modedesign profitiert von historischem Wissen. Doch die Übertragung vergangener Silhouetten, Textiltechniken und Stilepochen in die Gegenwart stellt Designer vor Herausforderungen. Es gilt, die Essenz historischer Formen zu erfassen, ohne deren Einschränkungen zu übernehmen und traditionelle Handwerkskunst innovativ neu zu interpretieren. Die Analyse von Schnitten, Proportionen, Materialien und Funktionalität ist entscheidend, um die Botschaft einer Epoche zu verstehen und sie für moderne Konzepte zu nutzen. Ziel ist es, authentische, tragbare und marktrelevante Designs zu schaffen, die Altes mit Neuem verbinden. Entdecken Sie, wie Sie historische Einflüsse erfolgreich in Ihre Kollektionen integrieren.
Die Essenz der Modegeschichte liegt nicht im Wiederholen, sondern in der klugen Dekonstruktion ihrer Formen und Funktionen, um daraus das Innovative für die Gegenwart zu schöpfen.
Wir überwachsen die Liebe, wie andere Dinge auch und legen sie in die Schublade – bis sie eine antike Mode zeigt – wie die Kostüme, die unsere Großväter trugen.
”Emily Dickinson
Leben, S. 54887: Wir überwachsen die Liebe, wie andere Dinge
Dieses Zitat fängt die zyklische Natur der Mode und den Wert der Geschichte wunderbar ein. So wie persönliche Erinnerungsstücke weggesperrt werden, nur um später mit einer neuen Wertschätzung für ihre 'antike' Qualität wiederentdeckt zu werden, so tauchen Modedesigner oft in die Archive der Vergangenheit ein. Die 'Kostüme, die unsere Großväter trugen' sind nicht nur veraltete Kleider, sondern ein reiches Reservoir an Silhouetten, Techniken und Ästhetiken. Dieses Unterkapitel untersucht, wie der Blick zurück auf die historische Mode – sei es die opulenten Gewänder des Barock oder die minimalistischen Linien der 1990er Jahre – kein bloßes Kopieren, sondern ein Prozess der Neuinterpretation ist. Durch das Verständnis des Kontexts und der Konstruktion historischer Kleidungsstücke kann ein Designer Inspiration schöpfen, von früheren Meistern lernen und etwas schaffen, das sich sowohl neu als auch zeitlos anfühlt, was beweist, dass das, was einst in die 'Schublade' gelegt wurde, wieder als Quelle zeitgenössischer Inspiration hervorgeholt werden kann.
1.1.1 Analyse historischer Silhouetten
Die Analyse historischer Silhouetten erfordert ein Verständnis der spezifischen Form und Struktur, die Kleidung in verschiedenen Epochen definierte. Jede Ära prägte unverwechselbare Umrisse, die durch Materialien, Schnitttechniken und soziale Konventionen bedingt waren. Die Betrachtung beginnt mit der Gesamtlinie des Körpers, wie sie durch die Kleidung geformt wird und dekonstruiert dann deren Bestandteile. Ein erster Schritt ist die Identifizierung der Grundform. Dies umfasst die Beobachtung, ob die Silhouette eher A-Linien-förmig, Sanduhr-ähnlich, säulenartig oder voluminös war. So zeichnete sich die Mode des Empire (ca. 1800-1820) durch eine hoch sitzende Taille und einen geraden, fallenden Rock aus, was eine schlanke, säulenartige Linie ergab. Demgegenüber stand die Krinolinenmode der 1850er und 1860er Jahre, die durch enorme Weite im Rockbereich eine dreieckige bis glockenartige Silhouette schuf. Im Anschluss daran ist die Proportionierung zu untersuchen. Hierbei wird das Verhältnis von Oberkörper zu Unterkörper, von Taillenhöhe zu Rocklänge oder von Ärmelvolumen zur Gesamtkontur analysiert. Eine präzise Beobachtung der Taillenposition – hoch, natürlich oder tief – sowie der Schulterbreite – schmal, verbreitert oder gepolstert – liefert wichtige Hinweise auf die charakteristischen Merkmale einer Silhouette. Beispielsweise betonten die breiten Schulterpolster der 1930er und 1940er Jahre eine V-Form, die Stärke und Entschlossenheit suggerierte, während die schmalen, abfallenden Schultern des Biedermeier eine zartere, feminine Ästhetik unterstützten. Ein weiterer Aspekt ist die Konstruktion und Unterkonstruktion. Viele historische Silhouetten wurden nicht allein durch das Obermaterial erzielt, sondern erforderten spezielle Unterbauten. Dies können Korsetts zur Formgebung der Taille, Reifröcke oder Krinolinen für das Volumen des Rockes, oder auch Polster und Wattierungen zur Betonung bestimmter Körperpartien sein. Für die Kreation eines modernen Designs, das historische Elemente aufgreift, bedeutet dies, die Notwendigkeit solcher Unterkonstruktionen zu prüfen und deren Funktion für die gewünschte Form zu verstehen. Ein Kleidungsstück im Stil der Belle Époque, das die typische S-Linie des Korsetts reproduzieren soll, muss diese innere Struktur entweder imitieren oder eine alternative Schnittführung entwickeln, die einen ähnlichen Effekt ohne restriktive Unterwäsche erzielt. Die Materialität beeinflusste die Silhouette erheblich. Steife Stoffe wie Brokat oder schwere Seide eigneten sich für voluminöse oder strukturierte Formen, während fließende Materialien wie Chiffon oder Crêpe de Chine drapierte, weiche Silhouetten ermöglichten. Berücksichtigen Sie bei der Neuinterpretation einer historischen Silhouette die ursprüngliche Materialwahl. Eine Empire-Linie aus einem steifen Brokat würde ihre charakteristische Anmutung verlieren und eher an eine Abendgarderobe des frühen 20. Jahrhunderts erinnern, die weniger auf den fallenden Stoff setzte. Beachten Sie außerdem die Bewegungsfreiheit und Funktionalität der Silhouetten. Eng geschnürte Korsetts und weite Reifröcke schränkten die Bewegung ein, während schlichte Reformkleider mehr Freiraum boten. Für ein modernes Design bedeutet dies, die Balance zwischen historischer Ästhetik und zeitgenössischem Tragekomfort zu finden. Ein Designer kann eine viktorianische Silhouette interpretieren, indem er die extreme Weite des Rockes reduziert und leichtere Materialien verwendet, um die Tragbarkeit im Alltag zu gewährleisten, ohne den historischen Bezug gänzlich aufzugeben. So entsteht eine neue, von der Geschichte inspirierte Form, die den Anforderungen der Gegenwart gerecht wird. Die genaue Drapierung und Faltenbildung der Stoffe sind ebenfalls entscheidend. Wie der Stoff fällt, drapiert oder gerafft wird, trägt maßgeblich zur Endsilhouette bei. Die Art der Falten – ob gelegt, gerafft oder geschwungen – und ihre Platzierung können bestimmte Körperbereiche betonen oder kaschieren. Beobachten Sie, wie sich das Volumen verteilt: Liegt es an der Hüfte, am Gesäß oder eher am Saum? Dies ermöglicht eine präzisere Nachbildung oder eine kreative Abwandlung der historischen Form. Zuletzt ist die Gesamtwirkung zu bewerten. Jede Silhouette vermittelte eine bestimmte Botschaft über Status, Geschlechterrollen oder Idealbilder. Die voluminösen Silhouetten des Barock symbolisierten Reichtum und Macht, während die schlichteren Reformkleider der Jahrhundertwende für eine Befreiung von Konventionen standen. Verstehen Sie die kulturelle Konnotation einer Silhouette, um deren Essenz in ein zeitgemäßes Design zu übertragen, ohne die ursprüngliche Botschaft zu verfälschen oder ungewollt zu reproduzieren. Ziel ist es, die Form zu isolieren und ihre Kernelemente zu identifizieren, die dann als Inspiration für neue, eigenständige Kreationen dienen können.Der Biedermeier-Stil betonte eine schlichte, feminine Silhouette mit Fokus auf natürliche Proportionen und dezente Linien.
EmpireDie Mode des Empire inspirierte durch eine Rückbesinnung auf antike Ideale, was sich in einer schlanken, hoch taillierten Silhouette ausdrückte.
KorsettDas Korsett war ein Schlüsselelement zur Formung der Taille, welches die Proportionen des Oberkörpers und die äußere Silhouette maßgeblich bestimmte.
KrinolinenmodeDie Krinolinenmode nutzte aufwendige Unterkonstruktionen, um eine dramatische Weite zu erzeugen, die die äußere Form des Körpers völlig neu definierte.
S-LinieDie S-Linie beschrieb eine Silhouette, die durch die Kombination von Korsett und Rockweite eine geschwungene Form von der Taille bis zum Saum erzeugte.
Diese Grafik illustriert geschätzte Trends bei dominanten Mode-Silhouetten im Laufe der Geschichte. Der Score spiegelt die allgemeine Verbreitung von Volumen (z.B. weite Röcke, breite Formen) im Gegensatz zu Schlankheit oder säulenartigen Formen wider. Die klassische Antike und die 1920er Jahre zeigen niedrigere Scores (schlanker/säulenartig), während Epochen wie Barock/Rokoko und die 1950er Jahre hohe Scores (voluminös) aufweisen. Die 1960er Jahre und moderne Epochen zeigen Abkehrungen von extremem Volumen. Diese Werte sind verallgemeinerte Schätzungen, um breite historische Verschiebungen in Form und Proportion hervorzuheben.
