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- Herausgeber: Booksell-Verlag
- Kategorie: Poesie und Drama
- Sprache: Spanisch
"Ruy Blas", escrita por Víctor Hugo en 1838, es una obra teatral que combina elementos del romanticismo con una profunda crítica social y política. Esta tragicomedia se desarrolla en la corte española del siglo XVII y cuenta la historia de un sirviente, Ruy Blas, cuya inteligencia y nobleza contrastan con su posición social. Hugo emplea un estilo poético y emotivo, característico de su obra, para explorar temas como el amor, la ambición y la injusticia. El contexto literario de la obra refleja la transición del neoclasicismo al romanticismo, con un enfoque en la dignidad del individuo frente a las estructuras opresivas de la sociedad. Víctor Hugo, uno de los más grandes exponentes del romanticismo europeo, fue un escritor prolífico cuya vida estuvo marcada por la defensa de la libertad y la justicia. Nacido en 1802, su experiencia personal, incluyendo el exilio y su compromiso político, influyó significativamente en su escritura. "Ruy Blas" refleja su interés en las desigualdades sociales y su deseo de cambiar el mundo a través de la literatura, algo que permeó gran parte de su obra. Recomiendo "Ruy Blas" no solo por su rica prosa y su incisiva crítica social, sino también como una muestra del poder del amor y la valentía ante la adversidad. La complejidad de sus personajes y la profundidad de sus dilemas morales lo convierten en una lectura esencial para aquellos interesados en la literatura romántica y en la exploración de la condición humana. En esta edición enriquecida, hemos creado cuidadosamente un valor añadido para tu experiencia de lectura: - Una Introducción sucinta sitúa el atractivo atemporal de la obra y sus temas. - La Sinopsis describe la trama principal, destacando los hechos clave sin revelar giros críticos. - Un Contexto Histórico detallado te sumerge en los acontecimientos e influencias de la época que dieron forma a la escritura. - Una Biografía del Autor revela hitos en la vida del autor, arrojando luz sobre las reflexiones personales detrás del texto. - Un Análisis exhaustivo examina símbolos, motivos y la evolución de los personajes para descubrir significados profundos. - Preguntas de reflexión te invitan a involucrarte personalmente con los mensajes de la obra, conectándolos con la vida moderna. - Citas memorables seleccionadas resaltan momentos de brillantez literaria. - Notas de pie de página interactivas aclaran referencias inusuales, alusiones históricas y expresiones arcaicas para una lectura más fluida e enriquecedora.
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Veröffentlichungsjahr: 2023
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Ruy Blas
Índice
Introducción
En una corte exhausta, donde los tapices ocultan el polvo del poder, una voz inesperada asciende desde lo más bajo para disputar el lenguaje mismo de la autoridad. El corazón de este drama late en la fricción entre lo que se hereda y lo que se merece, entre la máscara cortesana y la verdad de un sentimiento que no sabe disimularse. Allí, en el cruce de amor y política, se juega la pregunta central: si la nobleza de ánimo puede doblegar la inercia de un sistema que se alimenta de apariencia, privilegio y complacencia, o si, por el contrario, la triturará sin remedio.
Ruy Blas, de Victor Hugo, es un clásico porque cristaliza, con rara intensidad, la energía del Romanticismo teatral y la convierte en fábula perdurable sobre poder, dignidad y justicia. Su autor, figura mayor de la literatura francesa del siglo XIX, concibió un drama que quiebra moldes, mezcla registros y apuesta por la emoción como vía de conocimiento. El prestigio de la obra se sostiene en su vigor escénico y su alcance moral: interroga la legitimidad de las jerarquías, el uso de la palabra como acción y la posibilidad de una política guiada por el bien común, más allá del linaje.
Compuesto y estrenado en 1838, en plena madurez creativa de Hugo, el drama se inscribe en el impulso romántico que reclamó libertad formal y amplitud temática para el teatro. No es un mero fresco histórico: es una máquina poética y dramática que transforma un episodio imaginado en experiencia universal. En el París de aquel tiempo, las salas debatían el rumbo del arte dramático; Ruy Blas interviene en esa conversación con audacia, proponiendo una escena donde la intensidad afectiva convive con la intriga política sin renunciar al espectáculo. La obra se volvió referencia del género por su ambición y su contundencia.
El marco histórico sitúa la acción en Madrid, a finales del siglo XVII, durante el reinado de Carlos II, cuando la corte española aparece como emblema de decadencia institucional. En ese espacio lleno de protocolos y silencios, un grande del reino, Don Salluste de Bazán, maquina una venganza contra la reina. Su instrumento será un criado de excepcional talento, Ruy Blas, a quien hará pasar por noble y a quien el amor, guardado en secreto, lo une a la figura regia. Desde ese arranque, la tensión entre elevación moral y manipulación política se despliega con ritmo implacable.
El planteamiento no requiere destripar la trama para advertir sus ejes: el ascenso social como prueba ética; el amor como fuerza emancipadora y, a la vez, peligrosa; el Estado como escenario donde chocan intereses privados y responsabilidades públicas. Ruy Blas encarna la inteligencia práctica, la compasión y la ambición de servir, virtudes que el entorno cortesano intenta explotar o desfigurar. La reina, aislada por su rol y por la maquinaria del protocolo, simboliza la dignidad sitiada. Y el gran señor que manipula la partida representa una aristocracia que confunde prerrogativa con impunidad.
Hugo estructura la obra con contrastes nítidos: salones y antesalas, secretos y proclamaciones, discursos que elevan y palabras que degradan. El drama romántico despliega así su marca: libertad de tonos, amplitud de espacios, momentos de lirismo junto a irrupciones de ironía. A través de estos contrapuntos, la historia interroga el lenguaje del poder y su capacidad para construir o arruinar destinos. La plasticidad escénica multiplica perspectivas y genera una tensión que no depende de artificios técnicos, sino de la colisión entre caracteres, temperamentos y principios. La mezcla de pasión y política alcanza aquí una eficacia singular.
Ser clásico implica, además de pervivir, seguir abriendo preguntas. Ruy Blas conserva su vigor porque ilumina un dilema que trasciende épocas: cómo legitimar la autoridad en un mundo donde los privilegios de cuna chocan con la evidencia del mérito. La pieza pone a prueba la idea de honor y la somete a un escrutinio práctico: servir, en lugar de servirse, del poder. Su crítica no se agota en la sátira de la corte; propone una ética de la acción y de la palabra que vuelve a la escena un laboratorio donde la sociedad puede contemplar sus vicios y sus posibilidades de enmienda.
Su influencia se reconoce en la consolidación del drama romántico europeo, que halló en esta obra un ejemplo de fusión entre historia, pasión y crítica social. El eco de Ruy Blas traspasó el teatro: poco después de su estreno, Felix Mendelssohn compuso una obertura sinfónica inspirada en la pieza, signo de su irradiación cultural. A lo largo del tiempo, montajes y adaptaciones han vuelto sobre su materia dramática, explorando la plasticidad de sus personajes y la potencia de sus situaciones. Tal persistencia no es un accidente: responde a la densidad de un texto que demanda y recompensa nuevas lecturas.
El trasfondo histórico no es decorado, sino argumento moral. La España de fines del siglo XVII aparece como metáfora de una estructura que, en su agotamiento, deja espacio tanto para la intriga como para la esperanza de reforma. Con economía de trazos históricos y eficacia teatral, Hugo sugiere el peso de la herencia y el precio del desgobierno. La corte, con sus pasillos y ceremonias, deviene una maquinaria donde cada gesto repercute en la vida de un reino. Esa dimensión pública amplifica la peripecia íntima, y lo político adquiere temperatura humana sin perder su gravedad.
Los personajes se leen como figuras dramáticas de gran relieve y, a la vez, como arquetipos. Ruy Blas encarna la posibilidad de que la virtud nazca lejos de los palacios; Don Salluste, la astucia de un sistema que se perpetúa corrompiendo; la reina, la tensión entre el símbolo y la persona. Sin reducirse a emblemas, actúan con motivaciones comprensibles que abren preguntas sobre identidad, legitimidad y responsabilidad. De esa combinación —singularidad psicológica y alcance simbólico— proviene buena parte del magnetismo de la obra y de su capacidad para dialogar con públicos diversos.
Acercarse hoy a Ruy Blas es entrar en un teatro de ideas que respira a través de acciones concretas. Conviene leer o ver la obra atentos a su arquitectura de engaños y revelaciones, al peso de los silencios, a la manera en que los objetos y las ceremonias se cargan de sentido. Sin adelantar desenlaces, basta saber que el primer movimiento coloca al protagonista en una altura peligrosa, donde cada palabra puede corregir una injusticia o precipitar un desastre. Ese delicado equilibrio sostiene el suspenso y hace que la emoción tenga consecuencias políticas palpables.
La vigencia de Ruy Blas radica en su mirada sobre cuestiones que siguen abiertas: corrupción y servicio, mérito y cuna, representación y responsabilidad. En tiempos que demandan integridad y lucidez a quienes gobiernan, el drama de Hugo conserva filo y belleza. Su atractivo duradero nace de la tensión entre ideales y estructuras, pero también del goce de una teatralidad generosa, que confía en la inteligencia del espectador. Al concluir esta introducción, queda la invitación: leer o ver la obra como quien escucha una verdad antigua que vuelve, con nuevas resonancias, a interpelar nuestro presente.
Sinopsis
Ruy Blas, estrenada en 1838 y escrita por Victor Hugo, es un drama romántico en cinco actos situado en Madrid a fines del siglo XVII, durante el reinado decadente de Carlos II. La obra explora el choque entre origen humilde y poder cortesano, y examina la corrupción de una aristocracia ensimismada frente a un Estado exhausto. Hugo combina intriga política, pasión amorosa y crítica social para tensar el destino de sus personajes. Sin apartarse del espectáculo melodramático, la pieza indaga preguntas sobre identidad, mérito y lealtad, y presenta un tablero donde el sentimiento personal se mide con la maquinaria del protocolo y la ambición.
El arranque coloca a Don Salluste de Bazan, poderoso cortesano, en una caída súbita: ha ofendido a la Reina y recibe un destierro que hiere su orgullo y su carrera. Frío y calculador, concibe una venganza que no busca violencia inmediata, sino deshonra pública. Intenta comprometer a su primo Don César de Bazan, un noble aventurero poco maleable, y ante su resistencia repara en su criado Ruy Blas. Este joven, de gran inteligencia y sensibilidad, sirve con discreción y abriga un amor imposible por la Reina. En esa mezcla de resentimiento aristocrático y devoción plebeya se traza el plan central.
Salluste decide lanzar a Ruy Blas a la esfera del poder con una identidad nobiliaria construida para la ocasión. El objetivo es doble: ganar acceso al círculo íntimo de la Reina y convertirlo en instrumento de una maniobra que exhiba la fragilidad de la corte. Ruy Blas, conmovido por su pasión y por la promesa de servir a algo más alto que su condición, acepta sin medir riesgos. La intriga arranca así bajo el signo del disfraz, del seudónimo y de la representación, y abre una tensión: hasta qué punto el instrumento puede emanciparse de la mano que lo mueve.
Dotado de talento político y palabra vibrante, Ruy Blas sorprende a ministros y grandes señores con análisis lúcidos del estado del reino. La administración aparece desordenada, el erario exhausto y el gobierno capturado por intereses oligárquicos. En escenas de corte y consejo, su energía reformista choca con la inmovilidad de una nobleza ocupada en ceremonias y banquetes. El protagonista se revela capaz de diseñar medidas, señalar abusos y exigir responsabilidad. Sus ideas no solo impresionan a la Reina, sino que plantean una alternativa moral: que el mérito y el servicio público pesen más que la cuna y el apellido.
Aislada por la etiqueta y un matrimonio político, la Reina encuentra en el nuevo consejero un interlocutor atento que, sin confesar su origen, comprende sus preocupaciones por el bien del reino. La relación se teje en cartas, gestos y encuentros discretos que combinan confidencia y pudor. La sensibilidad literaria de Hugo subraya la dimensión idealista de ese vínculo, donde la admiración por la justicia se mezcla con un afecto creciente. Ruy Blas vive el conflicto entre su verdad íntima y el papel que representa, y cada avance en el favor real hace más difícil sostener el secreto que lo sostiene.
Don Salluste no desaparece. Desde la sombra, calibra los éxitos del protegido que él mismo puso en marcha y espera el momento para activar su trampa. Manipula criados, recaba informaciones y explora resquicios del protocolo para convertir el ascenso de Ruy Blas en un instrumento de escarnio. Su figura condensa el cinismo de una aristocracia que considera el Estado una propiedad privada. La tensión crece a medida que la iniciativa política del protagonista se afirma y la venganza de su antiguo amo requiere un golpe certero. La obra superpone así una intriga íntima a una radiografía institucional.
El impulso reformista de Ruy Blas alcanza un clímax cuando ocupa responsabilidades decisivas en el gobierno y se atreve a dictar medidas orientadas a sanear la Hacienda, frenar los abusos de los validos y aliviar la miseria del pueblo. Su carisma le permite desafiar a los grandes en público, denunciar su parasitismo y reivindicar una administración al servicio del interés común. El choque entre eficacia y privilegio estructura escenas memorables de consejo y salón. A la vez, su posición lo expone más: cada decreto, cada discurso y cada mirada compartida con la Reina estrechan el cerco de revelaciones que podrían arruinarlo.
La llegada inesperada del verdadero Don César introduce un elemento de ironía y peligro. Su presencia amenazará la coherencia del disfraz y ofrecerá a Salluste un resorte adicional para precipitar su plan. Identidades cruzadas, llaves, cartas y encuentros en habitaciones contiguas componen una maquinaria teatral que avanza hacia la prueba decisiva. Ruy Blas toma conciencia del alcance moral de la trampa: no solo está en juego su destino, sino el honor de la Reina y la credibilidad de una política de reforma. En ese borde, la obra plantea una elección entre conveniencia, obediencia y responsabilidad personal.
Sin revelar los desenlaces, Ruy Blas permanece como una crítica feroz a la oligarquía y un canto al mérito nacido fuera de la cuna. Hugo combina pasión y denuncia para interrogar la legitimidad del poder, la identidad como performance y la posibilidad de la virtud en un sistema corrupto. Su vigencia radica en la pregunta sobre quién debe gobernar y con qué fines, y en la convicción de que la palabra pública puede agitar estructuras anquilosadas. El drama conserva actualidad por su retrato de una sociedad que debate entre apariencia y servicio, y por la dignidad de su conflicto central.
Contexto Histórico
Ruy Blas sitúa su acción en la España de fines del siglo XVII, en el corazón político de Madrid, bajo la Monarquía Católica gobernada por la casa de Austria. El marco institucional lo componen el Consejo de Estado, el Consejo de Castilla y otros consejos territoriales, junto con una nobleza de grandeza y una Iglesia con peso social y cultural determinante. La corte, instalada en palacios como el Alcázar y el Buen Retiro, concentra favores, cargos y decisiones. Ese mundo de etiqueta rigurosa, camarillas y clientelas burocráticas sirve a Victor Hugo como escenario histórico y simbólico para examinar la relación entre poder, legitimidad, corrupción y servicio público.
La España de los Austrias tardíos vivía un proceso de desgaste político y administrativo. Tras el siglo de hegemonía imperial, el XVII se caracterizó por crisis fiscales, ejércitos costosos y un aparato estatal pesado, con reformas parciales y resistencias corporativas. La figura del valido había marcado épocas anteriores; más tarde, el gobierno osciló entre ministros y facciones cortesanas. La obra recoge esa sensación de decaimiento: la nobleza aparece ensimismada en privilegios, los oficios se utilizan para medrar y el interés común se diluye. Hugo dramatiza así la percepción europea de una monarquía fatigada, atrapada entre ritual y oportunismo.
El reinado de Carlos II (1665–1700) estuvo signado por regencias, enfermedades del monarca y disputas entre grupos rivales. Dos reinas consortes, Marie Louise d’Orléans (matrimonio desde 1679 hasta su muerte en 1689) y Mariana de Neoburgo (desde 1689), encarnaron la dimensión internacional de la corte: séquitos extranjeros, pugnas por la influencia y tensiones con la alta nobleza castellana. La reina de la obra, aunque no copia una figura concreta, refleja la situación de consortes vigiladas, con agencia limitada y rodeadas por intrigas. La melancolía palaciega y el aislamiento femenino resuenan con testimonios sobre la vida de estas soberanas.
En el escenario europeo, Francia emergía como potencia hegemónica bajo Luis XIV, mientras España perdía posiciones diplomáticas y militares. Guerras sucesivas y tratados reconfiguraron fronteras y prestigios: tras campañas y negociaciones, la paz de Ryswick (1697) selló una tregua precaria, pero el gran interrogante era la sucesión de Carlos II, que desembocó en la Guerra de Sucesión (1701–1714). La atmósfera de la obra, con una élite desatenta al interés común y poderes extranjeros acechantes, dialoga con ese horizonte: un Estado exhausto, vulnerable a presiones externas y a las ambiciones internas de cortesanos y ministros.
La economía castellana arrastraba tensiones crónicas: descenso relativo de la plata americana hacia fines del siglo XVII, fiscalidad pesada sobre pecheros, exenciones para estamentos privilegiados y prácticas clientelares que drenaban recursos. El sistema de flotas y monopolios, sometido a contrabando y riesgos, añadía incertidumbre. En la obra, decretos, memoriales y listas de gastos condensan esa realidad: la administración sirve intereses particulares antes que reformar tributos o aliviar la miseria. La figura del ministro que imagina un saneamiento financiero y una política orientada al bien común contrasta con la voracidad de un entorno burocrático corrupto.
El orden social de la España barroca preservaba jerarquías estrictas: grandeza, nobles titulados, hidalgos y una amplia población común con movilidad limitada. Los prejuicios de linaje, reforzados por discursos de limpieza de sangre y honor, restringían ascensos por mérito. Ruy Blas subvierte ese marco al situar a un criado en la cúspide del poder administrativo, exponiendo la tensión entre talento y nacimiento. La pieza, sin convertir la historia en tesis, muestra que la competencia y la probidad pueden existir fuera de la cuna aristocrática, a la vez que subraya los mecanismos de exclusión que preservan el privilegio frente a la capacidad.
La vida cotidiana de Madrid combinaba ostentación ceremonial y precariedad urbana. La etiqueta borgoñona regulaba accesos a los monarcas, el tiempo de audiencias y las precedencias. Carros, cocheros y criados estructuraban la sociabilidad de palacio; las casas nobles eran redes de patronazgo. Persistía una cultura del honor que podía desembocar en duelos o afrentas ritualizadas. La obra aprovecha estos elementos: galerías, gabinetes, antesalas y recovecos escénicos traducen la arquitectura del poder, mientras billetes, anillos y objetos de corte circulan como signos de favor y autoridad, reforzando la dependencia de la gracia soberana.
La Inquisición, aunque menos beligerante que en siglos anteriores, seguía operando como dispositivo de vigilancia doctrinal y moral, además de actor en la censura de libros y espectáculos. Su presencia cotidiana implicaba cautelas discursivas y reforzaba el vínculo entre catolicismo oficial y legitimidad monárquica. En la obra, la religiosidad aparece como telón de fondo: juramentos, ceremoniales y apelaciones a la piedad conviven con maniobras de ambición. Esta yuxtaposición ofrece una crítica implícita a la hipocresía cortesana, sin convertir la trama en una controversia teológica, y subraya cómo el lenguaje de la virtud puede encubrir el cálculo político.
El barroco hispánico legó un imaginario de pompa, metáfora y teatralidad, del que Calderón de la Barca fue figura mayor. Aunque en el siglo XVII tardío el esplendor literario de la comedia áurea declinaba, persistían los códigos de decoro, el gusto por la alegoría y el ceremonial. Ruy Blas dialoga con ese legado desde la estética romántica: alterna lo sublime con lo grotesco, recurre al golpe de efecto y a la antítesis moral, y convierte el palacio en teatro del mundo. La retórica ampulosa y los contrastes morales no parodian el barroco, sino que lo reactivan para juzgar a la élite.
La posición y la imagen de la reina en el tardobarroco español eran complejas: casamientos dinásticos, expectativas de sucesión, cortejos reglados y vigilancia constante. La experiencia de Marie Louise d’Orléans, apesadumbrada por la rigidez cortesana, y la de Mariana de Neoburgo, asociada por sus críticos a favoritismos, ilustran límites y riesgos del cargo. La reina de la obra encarna esas tensiones: joven, sometida a la mirada de una corte expectante, y objeto de maniobras políticas. Su anhelo de dignidad institucional dialoga con los problemas reales de consortes atrapadas entre deberes dinásticos y facciones.
El corazón administrativo de la monarquía operaba mediante consejos y secretarías que discutían memoriales, expedientes y provisiones. Diplomáticos de potencias rivales cortejaban a ministros y validos, y las pensiones y regalos eran instrumentos habituales de influencia. La lentitud decisoria, la fragmentación jurisdiccional y la competencia entre juntas favorecían el inmovilismo. En Ruy Blas, cartas, decretos y listas de nombramientos son motores de intriga y espejos de un Estado formalista que pierde de vista fines sustantivos. La trama convierte la cultura del papel y el sello en metáfora de un gobierno encadenado al trámite y al interés privado.
La obra se estrenó en 1838, en plena madurez del Romanticismo francés. Desde el prefacio de Cromwell (1827) y el estreno de Hernani (1830), Hugo defendía un teatro histórico, mestizo de tonos, que miraba al pasado para interpelar el presente. Escoger la España de Carlos II ofrecía distancia estética y un caso paradigmático de decadencia política. La mezcla de pathos, sátira y color local responde a un programa romántico: mostrar la grandeza posible del individuo frente a estructuras corruptas, y reclamar una imaginación teatral capaz de hacer visible la historia como conflicto de principios y pasiones.
El contexto francés de la Monarquía de Julio (1830–1848) alimenta la lectura política de Ruy Blas. Con sufragio censitario y una élite parlamentaria burguesa, el régimen fue acusado de complacencia con intereses privados y favoritismos. La consigna del enriquecimiento individual, asociada a ciertos ministros en la década de 1840, resume una sensibilidad previa. La obra, sin nombrar a Francia, propone una alegoría: denunciar a una clase dirigente replegada en su provecho y reivindicar el mérito, la responsabilidad y la compasión como criterios de gobierno. El espejo español vacuna al espectador francés contra la autocomplacencia.
La censura y la policía de espectáculos en Francia no habían desaparecido, pero el teatro romántico ya había conquistado terreno para la insinuación política. Tras las polémicas de 1830, el público estaba habituado a ver en la historia una clave del presente. Ruy Blas se beneficia de esa expectativa: el retrato de ministros venales y de un aparato estatal desvinculado del bien común se leía como advertencia contemporánea. La pieza no predica un programa partidista; ofrece, en cambio, una ética del servicio y de la compasión que desborda bandos, y que era polémica en una cultura política de notables.
Las posibilidades técnicas del teatro parisino de la década de 1830 amplificaron el efecto histórico. La iluminación a gas, difundida desde las décadas previas, y los talleres de escenografía posibilitaron interiores cortesanos, cambios de decorado ágiles y atmósferas nocturnas verosímiles. El público urbano, nutrido por una prensa en expansión y por la cultura del espectáculo, convirtió los estrenos en asuntos de conversación política. El exotismo español, los trajes y los rituales de corte daban densidad sensorial a la crítica. Así, forma y contenido se aliaron: el aparato visual reforzó la denuncia de la pompa vacía que consume la res publica.
También resulta pertinente la infraestructura del poder en la España del Seiscientos. La comunicación con los virreinatos americanos dependía de flotas que seguían calendarios inciertos por clima y guerra, y el Consejo de Indias filtraba una información lenta. Esa dilación administrativa ofrecía oportunidades a intermediarios, memorialistas y buscadores de graciosas mercedes. La obra evoca esa inercia mediante la acumulación de papeles y la prisa fingida de decretos que no tocan lo esencial: un sistema que confunde movimiento con reforma. La dependencia de metales ultramarinos y los vaivenes de la ruta atlántica contextualizan las urgencias fiscales que asoman en escena.
Como crítica de época, Ruy Blas articula dos planos. Por un lado, retrata la España de fin de siglo XVII: corte ceremoniosa, instituciones envejecidas, economía tributaria desigual y diplomacia a la defensiva. Por otro, interpela a la Francia de 1838: un régimen que corre el riesgo de transformar el gobierno en botín y la política en administración sin alma. El ascenso extraordinario de un hombre de baja cuna como servidor del bien público defiende el principio de mérito y caridad cívica. En esa doble clave, la obra funciona como espejo histórico y advertencia moral, más allá de su trama sentimental.
Biografía del Autor
Introducción
Victor Hugo (1802–1885) fue poeta, novelista, dramaturgo y figura pública central de la Francia del siglo XIX. Su nombre se asocia con el auge del romanticismo y con una obra que desafió las fronteras entre géneros y lenguajes. Autor de novelas como Notre‑Dame de Paris y Les Misérables, de dramas como Hernani y Ruy Blas, y de colecciones poéticas como Les Contemplations y La Légende des siècles, renovó la tradición literaria francesa y la proyectó internacionalmente. Su escritura conjugó ambición estética y preocupación social, convirtiéndolo en una conciencia moral de su tiempo y en uno de los autores europeos más difundidos y traducidos.
Abarcó transformaciones políticas de monarquías, imperios y repúblicas; su obra dialogó con la historia contemporánea. Fue leído masivamente en vida, provocó controversias y legitimó nuevas libertades formales del teatro y la poesía. Además de su producción literaria, actuó como orador y periodista ocasional, participando en la vida pública. Su autoridad simbólica creció con los años, hasta convertirlo en una figura cívica cuya imagen excedía la de un escritor. La recepción de sus libros, adaptados con frecuencia para el escenario y, más tarde, para otros medios, aseguró que sus temas de injusticia, amor, memoria y redención se mantuvieran en circulación internacional.
Formación e influencias literarias
Nació en Besançon en 1802, en el seno de una familia marcada por la carrera militar del padre y por la inclinación monárquica de la madre; la infancia incluyó estancias en diferentes ciudades europeas y una temprana formación en París. Desde adolescente, escribió versos y participó en certámenes literarios. Cursó estudios de derecho durante un breve periodo, pero su vocación literaria prevaleció. Junto a sus hermanos fundó una revista crítica a inicios de la década de 1820, espacio donde afinó su gusto y su posición en los debates estéticos. Esa práctica periodística temprana le permitió observar de cerca el campo literario parisino.
