El perfil del creativo E-Book

Ana Busso

• Herausgeber: Editorial Autores de Argentina
• Kategorie: Für Kinder und Jugendliche
• Sprache: Spanisch
• Veröffentlichungsjahr: 2023

Seitenzahl: 224

Beschreibung

El mundo de la creatividad. Mágico. Lúdico. Con apuntes históricos, teoría y ¡técnicas! (que los creativos amamos). En el libro "El perfil del creativo. No nace. Se hace." planteamos la diferencia entre creador y creativo. Ideal para estudiantes y para el estudiante que llevás adentro. Olvídate del: –Yo no soy creativo. Aquí verás que sí. Y un plus, un regalo: artistas y creativos. Desde un gran maestro de arte a una chef consagrada. Desde un ama de casa, muy creativa, a un escultor. Ellos nos regalan sus experiencias. Adiós bloqueos. Adiós "hoja en blanco". Te invito a jugar. En definitiva, de eso nos habla la creatividad.

Leseprobe

ANA BUSSO

El perfil del creativo

No nace. Se hace

Busso, Ana El perfil del creativo : no nace, se hace / Ana Busso. - 1a ed. - Ciudad Autónoma de Buenos Aires : Autores de Argentina, 2023.

Libro digital, EPUB

Archivo Digital: descarga y online

ISBN 978-987-87-4460-5

1. Arte. I. Título. CDD 700.19

EDITORIAL AUTORES DE [email protected]

A Majo

Tabla de Contenidos

·PRÓLOGO

·METODOLOGÍA DE TRABAJO

·INTRODUCCION

·Primera Parte

·EL NACIMIENTO DE LA CREATIVIDAD

·PIONEROS EN TÈCNICAS DEL SIGLO XX

-Dadaístas

-Técnicas creativas del dadaísmo

-Surrealismo

-Técnicas creativas del surrealismo

-La Bauhaus

-El holocausto y la creatividad

-Grupo cobra

·FRASES PARA CREATIVOS

-Cuando el arte alimenta la creatividad

-Cuando la ciencia alimenta a la creatividad

·PUBLICIDAD

-Brainstorming

-Lista de características

-Morfología

-Pensamiento divergente

-Sinéctica

-Biónica

-Sueño deliberado

-Técnica Pomodoro

-Pensamiento Lateral

-Técnica de la creatividad computacional

·Segunda parte

·EL PERFIL DEL CREATIVO

-Bloqueos a la creatividad

-Inteligencias múltiples

-Como nace “ El perfil del creativo”

-El programa se iniciaba con la música y texto:

-Síntesis del análisis de los perfiles de los participantes

-Entrevistas-presentaciones-monólogos

·Agradecimientos

·Bibliografía

PRÓLOGO

XI

Treinta radios convergen en el centro de una rueda,pero es su vacíolo que hace útil al carro.

Se moldea la arcilla para hacer la vasija, pero de su vacíodepende el uso de la vasija.Se abren puertas y ventanas

en los muros de una casa,y es el vacío lo que permite habitarla En el ser centramos nuestro interés,

pero del no-ser depende la utilidad.

Tao Te KingLibro de Lao Tze

En China arte y arte de vivir son la misma cosa. Para los budistas la pintura es considerada una práctica sagrada. Una noción central para el arte pictórico es el vacío que se considera un lugar interno en el que se establece la red de alientos vitales. De esta manera la pincelada encarna lo uno y lo múltiple y se identifica con el Aliento original que anima el universo y el ser del hombre. El vacío medio procede del vacío originario y posibilita el devenir recíproco entre el yin y el yang de manera activa y dinámica. Así la pintura constituye un pensamiento en acción. Para Jacques Lacan “elarte es un modo de organización del vacío”. Se crea bordeando un vacío.

El libro El perfil del creativo de Ana Busso propone un camino construido por pequeños trayectos fulgurantes de la historia del arte, sus movimientos; artistas, creativos, escritores que hicieron su marca en la cultura; horadando el sentido común, al adentrarse en territorios ignotos e inéditos; avizorar nuevos modos de mirar y hacer ver. Además nos brinda algunas experiencias personales y profesionales como docente, pintora, artista, comunicadora y creativa publicitaria que dan cuenta de su savoir faire en esta tierra incógnita del acto creador.

A la altura del Seminario 23 Lacan ubica como en vez del psicoanálisis al saber hacer del artista; que es un saber hacer con el vacío, contorneándolo. Y es ahí donde se juega algo del trazo propio.

Shitao, famoso pintor de la dinastía Qing (XVII-XIX), escribió sus reflexiones sobre la pintura en Palabras sobre la pintura, donde propone la noción de Trazo único: esa primera pincelada que produce un acto de separación del yinyun (unidad inicial) y entraña el mismo movimiento que el yin – yang; engendrando todas las demás pinceladas y sus transformaciones. El pintor ejecuta el trazo único sobre el lienzo, al tiempo que, inaugura una obra; separa el cielo y la tierra, en ese primer movimiento, donde algo del estilo de quien lo ejecuta, se transmite. Una vez que una obra se desprende de su autor, el objeto artístico es cedido para que circule socialmente. Por otra parte, constituye el reservorio de la cultura. Cada uno podrá servirse; hacer uso de él.

Ana traza su pincelada fresca para inaugurar su libro con una cita de Ray Bradbury que nos remite al trazo del autor-artista; al toque singular: “ algo que tu mano tocará” ¿Qué es lo que toca? Creo que el libro de Ana despierta la chispa de deseo, esa chispa que mueve al mundo, como escribió hace tiempo un psicoanalista. Una lectura puede avivar la llama. Ana es consecuente con su deseo de transmitir que la creatividad es algo que se puede despertar, provocar, causar. Por eso ella nos presenta una serie de técnicas que pueden propiciar el encuentro con lo inédito. Les escribe, especialmente, a los jóvenes y podríamos agregar, a lo joven, en cada uno de nosotros.

Cuando era joven, al igual que ustedes, y cursaba en la universidad me sentí atraída a realizar un taller de creatividad que Ana dictaba en un ámbito no formal. Se trataba de un espacio cultural en la Alameda, provincia de Mendoza. Recuerdo vívidamente la secuencia de encuentros que se proponían bajo la modalidad de taller; las tareas que nos ocupaban entre semana y siento aún el cosquilleo: entre entusiasmo e interés que me provocaba ir. Ningún encuentro era igual, ni más de lo mismo; sino que cada encuentro era único, un lugar para encontrarse con la contingencia. Así en los talleres y por medio de técnicas y procedimientos se generaba un clima de confianza para tomar el riesgo de acceder a modos de pensar laterales, realizar tareas novedosas: dibujar, escribir, armar instalaciones, hacer un uso creativo de nuestros sueños. Sublimar es una actividad que ofrece una satisfacción muy particular. Freud decía que era porque no opera en ella la represión pero mantiene la intensidad de la pulsión desviando su meta sexual, en otra socialmente aceptada.

En la última parte del libro, Ana extrae ciertos rasgos comunes de una serie de entrevistas que realizó a distintos artistas y creativos para trazar un perfil pero además, abren distintas ventanas para explorar la singularidad de sus mundos.

Gabriela L. NafissiLic en PsicologíaCreativaDirectora de Reencarnaciones: experimentación artística

Metodología de trabajo

Para materializar este libro, la metodología consistió en recopilar bibliografía referente a distintos temas.

Interesante también ha sido Internet como fuente para complementar información. Y he partido desde la década de los 70 en cuanto a mis escritos, en mis estudios en la USAL, en la carrera de Publicidad, encontrando interesante material de la materia, entonces cursada.

Material de distintos talleres creativos, de redacción, escenografía, pintura y guión televisivo han contribuido al material que, desde aquí, les brindo.

INTRODUCCION

“Cuando muere, todo el mundo debe dejar algo atrás, decía mi abuelo. Un hijo, un libro, un cuadro, una casa, una pared levantada o un par de zapatos. O un jardín plantado. Algo que tu mano tocará de un modo especial, de modo que tu alma tenga algún sitio adonde ir cuando te mueras, y cuando la gente mire ese árbol, o esa flor, que tu plantaste, tu estarás allí.

No importa lo que hagas – decía- en tanto que cambies algo respecto a cómo era antes de tocarlo, convirtiéndolo en algo que sea como tú, después de que separes de ello tus manos. La diferencia entre el hombre que se limita a cortar el césped y un auténtico jardinero está en el tacto. El cortador de césped igual podría no haber estado allí.

El jardinero estará allí para siempre. “

Farenheit 451, Ray Bradbury.

1era Parte

EL NACIMIENTO DE LA CREATIVIDAD

Dándole vida a la pintura, la música, escultura, arquitectura, cine… nace la creatividad, germen de todas las ramas del arte.

Desde la prehistoria encontramos en la vida cotidiana, ejemplos de mentes atrevidas, dispuestas a hacer de cada instante de sus vidas un hecho creativo.

Ya en las Cuevas de Altamira, tenemos en sus paredes un bello ejemplar de jabalí, polinomio, con ¡ocho patas! Muchos eruditos, muchas investigaciones para analizar dicha imagen, pero la más simple, el anónimo cavernícola pintó la realidad que no es estática ¡pintó el movimiento! (Un ancestro de Guillermo del Toro). Muy creativo.

Los antiguos griegos habían inventado una bella leyenda para explicar cómo Dédalo, con su hijo Icaro, trataron de huir de Creta, valiéndose de unas grandes alas fabricadas con cara y plumas de ave. Dos mil quinientos años más tarde se hizo realidad el mito de Icaro. Otros sueños, otros hombres, quizás inspirados en esta leyenda y así nos encontramos con el polimata Leonardo da Vinci pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo, botánico, escritor, escultor, poeta y urbanista.

Leonardo (el del hombre, del Vitrubio) estudió el vuelo de un pájaro, (este trabajo fue el isotipo de mi papelería de agencia de publicidad). En él, se aprecian los estudios matemáticos, de geometría, vuelos de distintos pájaros, anatomía de las alas, disposición de las plumas, etc. Todos hechos creativos en un hacedor de arte. Y así la creatividad siempre a través de los siglos.

Pero nuestra investigación comienza en el siglo xx.

El encuentro de la máquina con la cultura le da pie al nacimiento de la difusión masiva del arte, esta última, rompe ¡por fin! el principio del arte destinado a minorías privilegiadas.

Hablábamos de Gutenberg, gramófono, radio, litografía, fotografía, cine, tv aire, tv cable, computadora y mundo digital y ya estamos en los albores de la Inteligencia Artificial. Toda una complejidad histórica antecede a este término: a este gran siglo xx en su gran creatividad.

Leí a un crítico que dijo: “Picasso era un artista, pero Matisse era mejor pintor”. ¿Nos estaba diciendo que uno tenía más técnica pero el otro era más creativo?

Un ejemplo que nos ayuda a comprender la sutil diferencia, en algunos casos, entre un gran manejo de la técnica y el poder de las ideas.

El siglo XX rompe con la vida del pintor solitario. Este sale al aire libre a pintar, junto a otros, se reúne, invadiendo los bares de Montmartre, donde discuten nuevas propuestas para el arte.

Nace la bohemia.

Son poco comprendidos.

Un crítico se atrevió a decir del Impresionismo ¡ -son meras impresiones! - sin darse cuenta que estaba titulando un movimiento glorioso.

Y desde ahí ¿Qué es la creatividad? Cuál es el cambio del sentido del término?

Los Fauvistas (que aún siendo excelentes dibujantes, no les importaba demostrárnoslo). Ellos amaban el color por sobre todas las cosas.

Y así los expresionistas, con su exceso de color tan simbólico, por momentos geometrizante, de forma casi irreconocible.

Punto aparte para los cubistas, múltiples perspectivas, formas geométricas, siempre he pensado que estos artistas estuvieron fascinados con la aparición del cinematógrafo, esto de los planos, las posiciones de las cámaras, hicieron que fueran tan “ambiciosos”en generar zonas con las que conseguir el espacio estructural del cuadro. En cuanto a los metafísicos, movimiento genuinamente italiano, recreaban espacios en soledad. Plazas rodeadas de edificios, sin gente con una sensación de ensueño, de estado alfa.

PIONEROS EN TÈCNICAS DEL SIGLO XX

Dadaístas

“Dadaísmo: movimiento artístico cultural creado, con el fin de contrariar las artes que surgió en el Cabaret Voltaire en Zúrich (1916).

Antiliterario, antipoético, antiartístico. Cuestionaba la existencia del arte. Rechazo absoluto.

Un cuestionamiento continuo, donde no hay reglas fijas en el arte que lo legitimen de manera histórica.

Pero fue absolutamente creativo. Trajo consigo la creación de nuevas técnicas artísticas como fotomontaje y “ready made”, Marcel Duchamp lo crea con ese nombre (que quiere decir “algo ya hecho”). El artista lo toma, le cambia el significado y lo lleva a la categoría de arte. Primer paso del arte conceptual (arte encontrado) objetos que normalmente no se consideran artísticos y aprovechamiento del collage, (creado por el cubismo)”.

“El ser y su circunstancia”

Al ensayista español,

Ortega y Gasset, se le ocurrió esta expresión que generó un largo debate filosófico (1883-1955).

Frase que nos ayuda a comprender a los dadaístas. Yo diría a tener empatía con ellos, porque fueron hijos de la primera guerra mundial, su nacimiento, como ya dijimos, en Zúrich (1916).

Su sin sentido, la lógica y lo absurdo a la exploración artística, lo planteaban como una forma de vivir, la guerra. Escapaban de ella, del horror engendrado y artísticamente se rebelaban contra el arte “burgués”.

Su nombre. Existen distintas “historias” sobre su nacimiento. A mí me encanta imaginarlos con un diccionario, jugando a que el dedo correría por las palabras y se detendría en una. Y esta forma rebelde, recaería en el término “Dada” (onomatopeya infantil). O sea, creada desde el absurdo, el azar.

Tristán Tzara (1896-1963) fue el fundador del dadaísmo junto a los artistas Hugo Ball (1886-1927) y Hans Arp (1886-1966).

Técnicas creativas del dadaísmo

Una de ellas consiste en una forma de organizar una lluvia de ideas, (antecedente del Brainstorming), titulada “cut-up” (técnica de recorte) del método, que, originalmente, fuera difundido y practicado por representantes del dadaísmo a comienzos del siglo XX, utilizado por importantes figuras. Y décadas más tarde, fue adoptado tanto para la literatura, como para obras sonoras.

Técnica al alcance de cualquier persona. Consiste en, literalmente, recortar las palabras de un texto, por ej. de una revista, reorganizarlas y hacer algo nuevo generando ideas y evitando el bloqueo a la “hoja en blanco”.

Caligrama: dibujo en el que la disposición del texto tipográfico, generalmente poético, crea figuras o escenas que hacen alusión al propio tema.

Aunque hay antecedentes de este tipo de poesía en la literatura griega, se le atribuye al francés Guillaume Apollinaire (1880-1918) cuando le dió el nombre a este tipo

Pinacogramas: se le llama al dibujo, generalmente, retratos creados con letras que componen el nombre propio.

Karagrama: retrato de una persona realizado mediante letras elegidas, aleatoriamente, en base a sus propiedades formales, buscando analogías entre la anatomía humana y la anatomía de la letra. A diferencia del caligrama y del pinacograma, se utilizan las letras sin que formen palabras o nombres.

Solo se trata de crear “imágenes visuales” de un texto o nombre.

Surrealismo

Y un líder André Breton, escritor y poeta francés cuyo manifiesto surrealista de 1924 apoyaba la libre expresión y la liberación del subconsciente. No interviene la razón. Se aleja como movimiento de toda preocupación estética y moral.

No es un movimiento sino una serie de investigaciones de artistas individuales.

Breton, Dalí, Magritte, Mirò, Remedio Vero, Leonora Carrington, Max Ernst, fueron sus principales exponentes.

Técnicas creativas del surrealismo

Automatismo

Collage

Garabatos

Frottage

Decalcomanía

Grattage

Detengámonos en la más trabajada a lo largo del siglo xx.

creada por Dalí:

Cadáver exquisito:

Un juego de palabras por medio del cual se crean maneras de sacar de una imagen muchas más. Se construye en grupo. Cada miembro del grupo escribe una pequeña parte de la historia, dejando visible solo la última palabra. Y así pasa de jugador a jugador.

Tuve la grata experiencia de enseñársela a un grupo de profesionales y amas de casa después de una experiencia muy linda.

Un día de campo, donde la anécdota fue la pérdida de un sombrero. Ese fue el “tema”.

Cada compañera, dejaba a la vista solo la última palabra, y la siguiente escribía a continuación y tapaba todo el texto, menos la última palabra y así hasta el final.

Admiren el resultado:

El viaje del sombrero travieso

El viaje oculto del sombrero travieso de Elsa…en ese inolvidable paseo de campo, añadió incertidumbre a lo rutinario.

Las canastas y heladeras colmadas de alimentos sanos…bebidas y el infaltable mate.

Repasar a último momento la lista de elementos a llevar.

. Repelente de insectos

. Protector solar

. Sombrero

Sombrero de recuerdos apasionados e imborrables.

¿Qué traerá en sus alas este sombrero perdido?

Supe de un sombrero al mirar unas fotos de muchachas con sombreros…fotos en blanco y negro y muchos sueños en sus bolsos…

De repente preguntaron al viento y el solo sopló…

Entonces miraron a la montaña y pidieron por un sombrero perdido …se sentaron a pensar…

El sombrero perdido busca comunión de almas…deseos de compresión universal, ausencia de ira…por eso se esconde…para que reflexionemos y busquemos…y encontremos el sombrero de la paz interior…

Ese sombrero en su trama apretada, había abrazado ruegos, pensamientos, recuerdos. Está hecho de deseos intensos de paz…

De sueños y reencuentros. ¿Cómo pudo volar a la suave brisa? Es esa paz interior tan volátil…tan sensible?...el sombrero voló como mariposa y buscó en el alma de las muchachas y le pidió silencio pidió respirar paz, un aire sutil desconocido y nuevo.

Y no quería que el viaje terminara, por eso se escondió, para que al buscarlo el viaje continuara…Para demorar la partida había que quedarse un rato más. ¿Para qué? Y permanece oculto…mira y en silencio cómplice con cada una de ellas se convierte en la magia que une …ese profundo sentimiento que es la amistad…

Y no se había perdido el travieso…solo jugaba a las escondidas y así entre risas, cantos y recuerdos indelebles convertirse en el símbolo de la continuidad…porque nada llega a su fin …todo sigue su infinita evolución…

Autoras: integrantes de 5º 5ta, promoción ‘70, Esc. Martin Zapata, Mendoza. Argentina

En cuanto a la imagen, el cadáver exquisito se concibe dibujando en grupo, por turnos, en una hoja doblada que pasa, de unos a otros, sin ver las líneas del dibujo anterior. Se puede realizar en muros.

Este juego creativo. Esta técnica se llama así porque en 1925, al develarse la frase creada en la misma, decía “El cadáver exquisito el vino nuevo beberá”

(“Le cadaure exquis boira de vin noveau”).

Esta experiencia fue realizada en la casa de Salvador Dalí en Port Lligat.

En Bs As encontramos el Muro Urbano Inconsciente Colectivo, realizado cerca de la terminal de buses expreso Quilmes. Muro realizado por 12 artistas, donde cada uno continuaba a partir del fragmento que su compañero último le enviaba. Siempre tapando lo anterior. El resultado fue estupendo. Pero volvamos a sus creadores.

En el Museo Nacional, Centro de Arte Reina Sofía, podemos ver una obra de Cadavreexquis de Salvador Dalí (1904-1989) , André Breton (1896-1966) , Gala (Elena Ivanovna Diakonova)(1894-1982), Valentine Hugo (1887-1926).Se trata de una obra en papel, dibujo en tinta china (fecha 1932).

La Bauhaus

A.A (s.f.) [detalles de los talleres de la escuela].

“La escuela alemana que cambió la forma de entender y enseñar el arte. En todos sus aspectos, estuvo esta institución a la vanguardia. La filosofía era recuperar la artesanía tradicional y los diseños simples, prácticos, funcionales. Walter Gropius escribió su manifiesto fundacional en conjunto con especialistas en la construcción, carpintería, cerámica, impresión gráfica, pintura de murales y la niña mimada la arquitectura.

Las materias que se cursaban iban desde las matemáticas y geometría hasta la fotografía, y las artes visuales.

Debemos decir que aquí nace la publicidad de afiches y el diseño gráfico propiamente dicho, cuando las máquinas empiezan a sustituir los oficios manuales. Y es la Bauhaus quién trabaja entonces en la recuperación de los oficios artesanales. Es increíble lo que se logró en diseños y objetos.

Hoy, consideramos ultramodernos a elementos que fueron creados en esa época. Bauhaus, significa casa de la construcción estatal, antiacadémica y totalmente experimental. Si bien renacieron los oficios, el artista no dejó de utilizar la tecnología. Simplicidad. Su razón de ser.

Punto aparte para la arquitectura. edificios lineales, sencillos, libres de decoraciones, funcionales. Arquitectos como Míes van der Rohe, Lilly Reich y Gropius.

En escultura se destacó Gerhard Marcks. Aparte en pintura, maestros como Mondrian, Kandinsky, Doesburg, Wily, Johannes y Itten..

Destacó el papel de la mujer en esta escuela, si bien hoy discutimos, si fue una real liberación o una liberación a medias; lo cierto es que para esa época fue progresista su papel. Tuvieron una actividad y creatividad muy importante mujeres como Lili Reich, Alma Siedhoff-Buscher, Marianne Brandon y Charlote Perriand (entre otras).

Los talleres de la Bauhaus:

En general, después de una búsqueda de maestros que fue difícil, pues sólo tenían derecho a enseñar, con el tiempo lograron un consejo de maestros, para seguir los logros en la formación de los alumnos, al principio, estos estudiantes entraban directamente al taller, pero, luego, el gran consumo de material y los resultados insuficientes hicieron que hubieran diferentes formas para ser aprobados a acceder a los talleres, hasta que llegó una reforma que resultó la nueva y definitiva.

Cada taller tendría un maestro determinado para la clase de forma y uno de artesanía.

Taller de cerámica:

Gropius llamó a la Bauhaus a tres artistas (Marcks, Itten y Feninger),

En el curso de 1920 llama a un alfarero para enseñar los fundamentos de la historia de la cerámica. En 1923 el taller pasó a formar parte de la Bauhaus como “taller productivo”, se lo dotó de una dirección técnica y económica especial. Gropius no tardó en plantearse la producción como la tarea más importante, pero debido a los escasos recursos fue muy difícil llevarlo a cabo.

El departamento de cerámica se instaló en una sala de la fábrica de hornos Schmidt, luego se trasladó la formación de los alumnos a la alfarería de los hermanos Krehan en Dornburg.

Taller textil:

En 1920 la única solución de ofrecer una educación a las mujeres, se reducía al aprendizaje de técnicas textiles, de la ornamentación o del dibujo decorativo, también podían inscribirse hombres pero estos rara vez lo hacían. La clase textil se convirtió en una tejeduría, el taller colaboraba con el taller de muebles y cambió su actividad educativa por la productividad, pero la carencia de materiales lo hizo muy difícil.

Era muy interesante como se documentaban los trabajos de los alumnos, porque a veces estudiaban fuera de la Bauhaus y luego, esos conocimientos, lo llevaban a la misma y la escuela les compraba los trabajos y se reservaba el derecho de la reproducción.

Taller de metales:

Bajo la dirección de Itten hasta 1922, se hicieron, jarras, candelabros, teteras, cajas, etc. sobre este taller es al que me refiero, fundamentalmente, párrafos anteriores, porque son diseños que la gente equivoca al considerarlos creaciones actuales, sin embargo fueron creados en la Bauhaus en 1923. Se experimentó con cristal y flexiglos (polimetilmetraquilato), es uno de los plásticos de ingeniería, materiales que nada tenían que ver con el metal. Y así la Bauhaus pudo distribuir dos variantes: la lámpara con columna y pie o bien de metal o cristal, la lámpara de mesa alcanzó una gran simplicidad y los objetos dejaron de tener el aspecto martillado artesanal para pasar a tener un carácter de piezas hechas a máquina.

Taller de muebles:

Gropius se hizo cargo en 1921 dándole forma a este taller que centró su estudio en el hecho de sentarse. Breuer fue quien diseñó muebles, utilizando madera limonada en contraste con el nogal oscuro. Éste fue su aporte en materia de novedad. Gran importancia tuvo la creación de muebles por las patentes del mobiliario. Me ha llamado mucho la atención, la figura de Itten, quien se alejaba del diseño industrial y lograba horarios donde podía trabajar de a un alumno y así lograba piezas artísticas únicas. Esta es quizás la etapa más importante del taller, bajo la dirección de este gran maestro, que con muy pocas obras personales, permitió el lucimiento de obras de sus alumnos.

Taller de pintura en vidrio y pintura mural:

Gropius anunció un taller de pintura decorativa en vidrio mosaico y esmalte. Paul Klee se hizo cargo de la dirección artística, pero los resultados más importantes se deben a Josef Albers, quien primero fue alumno y luego se hizo cargo, en 1923, del taller y su técnica fue el abstracto que aplicó en distintas ramas del arte.

El taller de pintura mural fue dirigido por Schelemer y a partir de 1922 por Kandinsky, Kandinsky fue uno de los máximos colaboradores de la Bauhaus de Weimar. Este ruso que luego fue adoptando otras nacionalidades, qué podía enseñar, que no fuera el arte abstracto. Pero por ahí leí que su cromatismo lo aplicó, por momentos, en obras influenciadas por lo geometrizante, que regía en la escuela. Schelemer tomó el mando del taller de teatro, entonces lo sucedió el maestro artesano Beberniss.

En 1924, Kandinsky presentó un plan de trabajo para el taller de pintura mural con ejercicios prácticos y teóricos. Se interesaba

en la relación entre forma y color.

Destacó que el taller hacía trabajos sencillos de pintado, por ejemplo, y juguetes y tallados que eran pintados por los alumnos del taller de murales, también pintaban los muebles de la carpintería y estos se vendían, lo que hacía de este taller algo muy productivo.

Taller de escultura y talla:

De 1922 a 1925 el maestro de forma de ambos talleres fue Schelemer, (pintor, escultor y diseñador alemán). Si bien fueron solo 6 meses al frente de estos talleres, sus estudiantes realizaron lámparas, máscaras, baúles y lápidas, también surgieron una buena cantidad de esculturas artísticas, en piedra o en escayola, mucho de los trabajos eran utilizados para el escenario teatral como las máscaras y las marionetas. Hubo un juguete realizado por Schelemer y Buscher para la Bauhaus, que tuvo un gran éxito.

Otro producto de éxito fue un juego de ajedrez cuyo diseño era un cuerpo geométrico simple, en su mayoría cubo, cuyo tamaño simbolizaba el movimiento del juego.

Taller de Publicidad:

Schmidt, en sus comienzos, este pintor y gráfico, nacido en Wundorfs (Hannover), se destacó como tipógrafo en la Bauhaus. Diseñó carteles, folletos y tarjetas publicitarias para la distribución de los juegos y anuncios publicitarios. En realidad la publicidad, era una sección del taller de escultura.

Taller de encuadernación:

El artesano Otto Dofner encabezaba el taller. La impresión y la encuadernación eran tradicionales en las escuelas de artes y oficios. En 1921 se hace cargo Paul Klee ( ni más ni menos que uno de los artistas más completos de la escuela, quien como sabemos, destacaba como pintor con influencias cubistas, expresionistas y surrealistas). Más tarde el “Consejo de maestro”, dijo que el taller era puramente artesanal, que no ofrecía posibilidades de modernización, entonces lo sacaron (creo que mucho tuvo que ver la rivalidad entre Klee y Dofner).

La impresión gráfica:

Bajo la dirección de FaceTime Her como maestro de forma y San Michelle como maestro de taller se enseñó la técnica de impresión xilografía (sistema de impresión con planchas de madera donde se talla el motivo que se imprimirá) y calcografía, (grabado o estampación en hueco, se estampa mediante una huellas grabadas en un plancha metálica donde irá la tinta, luego el papel, luego una prensa). Gropius impuso la necesidad de trabajo por encargo para que la escuela sobreviviera. En 1922 se convierte en un taller productivo por excelencia, donde se realizaban impresiones artísticas además de comerciales, es más, se forma una editorial llamada “Editorial Bauhaus Munich-Berlín”, pero a pesar de los encargos no pudo sostenerse por mucho tiempo. Sin embargo, es de resaltar lo que esté taller generó en materias de diseño de tipografías, tal cual las conocemos hoy.

Taller de teatro

“Los medios artísticos teatrales estarán compuestos por formas, colores, movimientos y tonos básicos. Las formas elementales son los cuerpos y superficies matemáticos. Los colores son, el negro, azul, verde, rojo, amarillo, y blanco”. Dicen los principios de esta escuela de arte escénico. Luego de una breve experiencia con Schreyer que fue un fracaso.